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Publicada en el 2018, la novela cuenta la historia del brutal asesinato de un niño de 11 años y su investigación. Todas las evidencias apuntan a un reconocido entrenador y profesor de Literatura de la pequeña ciudad de Flint City, sin embargo, este posee una sólida coartada, a pesar de las pruebas de ADN y huellas dactilares. ¿Cómo es posible? Para conocer la respuesta, tendrás que sumergirte en el abismo de sus páginas.
El visitante es una mezcla de terror y novela policial. Fiel a su estilo, King nos presenta aquí una historia con lenguaje sencillo, mucho diálogo, capítulos cortos, descripciones que nos ayudan a contextualizar la historia y visualizar las escenas.
En esta novela se podría decir que hay dos partes. La primera es la que presenta el caso, a los personajes y plantea el conflicto. Se trata de la parte más policial. En la segunda, basándose en una conocida leyenda, comienzan a aparecer ciertos elementos que rompen con el realismo y descoloca a los personajes, en especial al detective Ralph Anderson. Poco a poco, el lector va conociendo una perturbadora cara de esta historia.
A pesar de algunos detalles prescindibles, la novela logra atrapar y desear conocer el final.
Sobre el autor
Escritor estadounidense, se ganó el favor de la crítica con su primera novela, Carrie (1974), a la que seguirían El resplandor (1977), que le valió un gran prestigio internacional, It (Eso, 1986), Misery (1987) e Insomnio (1994), entre muchos otros. Su estilo efectivo y directo, unido a su gran capacidad para destacar los aspectos más inquietantes de la cotidianidad, le han convertido en el especialista de literatura de terror (aunque ha realizado también incursiones en el género fantástico y de ciencia ficción) más vendido de la historia. Autor a su vez de relatos y guiones para la televisión, muchas de sus novelas han sido llevadas al cine.
Distancia de rescate, la película
Basado en la novela de la autora argentina Samanta Schweblin, el filme tiene como protagonistas a Dolores Fonzi, María Valverde, Germán Palacios, Guillermo Pfening y Emilio Vodanovich. El guion lo escribió Samanta Schweblin junto con Claudia Llosa, quien también se encargó de la dirección.
Esta adaptación audiovisual —que ya está disponible en Netflix desde el 13 de octubre— se filmó en Pucón y Puerto Varas (Chile), y es una producción estadounidense, chilena y española.
Sea porque el guion estuvo a cargo de la propia autora o no, la película se caracteriza por ser muy fiel a la novela —a diferencia de otras adaptaciones— y logra transmitir tensión, algo de misterio y ese miedo indefinido, relacionado con el vínculo madre-hijo/a, pero también con algo más.
Como ya dijimos en la reseña de la novela, la película también empieza con el diálogo de Amanda y David —con una sutil diferencia: la primera frase, “son como gusanos”, en la película lo dice la madre de Nina y en el libro, el muchacho—, quienes se encuentran en un lugar desconocido, que puede también hacer referencia a un plano distinto de la realidad.
Con buenas actuaciones y algunas pistas más directas a partir de ciertas imágenes, la película logra su objetivo. Solo le criticamos la explicación directa casi al final, que creemos podría evitarse, como sucede en la novela.
El campo, lo fantástico, curanderismo rural, vínculos familiares y crítica social son algunos de los tópicos que tocan tanto la novela como su adaptación cinematográfica.
Distancia de rescate, Samanta Schweblin
Se trata de la primera novela de la autora argentina, publicada en 2014 y ganadora de los premios Tigre Juan (2015) y Shirley Jackson (2018).
En ella el lector se encuentra con Amanda, una mujer de ciudad que decide alquilar una casa en el campo, en la que se instala con su pequeña hija, Nina. Allí conoce a Carla, una vecina de la zona, quien le cuenta lo que le sucedió a su pequeño hijo David. En un supuesto locus amoenus, que no tarda en volverse en un espacio amenazador y tóxico, la tragedia irrumpe para darle un giro a las vidas de los desprevenidos personajes.
Lo más característico de esta nouvelle es que está narrada a partir de la voz de Amanda y David, que se encuentran conversando en un espacio en un principio desconocido. Así, página a página, este diálogo va develando lo que sucedió a través de los recuerdos de esta madre que vivía midiendo la “distancia de rescate” —”un fino hilo de pescar que me conecta con mi hija y que se tensa cuando nos separamos demasiado”— entre ella y su hija.
Envuelta en una gran tensión, que mantiene al lector aferrado al libro, la historia mezcla el terror, lo fantástico, la ecología y una fuerte crítica social.
Como todas las obras literarias destacables, Distancia del rescate permite varias lecturas y centrarse en los diferentes tópicos ocultos entre sus líneas, como la ambigua relación entre madres e hijos o el uso que le da el hombre al ambiente que lo rodea.
Sobre Samanta Schweblin
Escritora argentina (Buenos Aires, 1978), traducida a más de veinticinco lenguas y becada por distintas instituciones. Vivió brevemente en México, Italia, China y Alemania, y desde el 2012 reside en Berlín, donde escribe y dicta talleres literarios.
En el 2001 ganó el primer premio del Fondo Nacional de las Artes por su libro de cuentos El núcleo del disturbio (2002), y su relato «Hacia la alegre civilización de la capital» obtuvo el del Concurso Nacional Haroldo Conti. Su segundo libro de cuentos, Pájaros en la boca (2009), obtuvo el Casa de las Américas 2008. Dos años más tarde fue elegida por la revista británica Granta como una de los veintidós mejores escritores en español menores de 35 años. Se convirtió en la primera argentina en ganar el premio estadounidense que honra el legado de Shirley Jackson (una de sus autoras preferidas) e integró la lista de finalistas del Man Booker Price International. Ambas distinciones fueron por la novela corta Distancia de rescate (2014).
Tetralogía Cementerio de libros olvidados, Carlos Ruiz Zafón
Cada libro, cada tomo que ves, tiene alma. El alma de quien lo escribió, y el alma de quienes lo leyeron y vivieron y soñaron con él.
Publicado en 2001, es el primer libro de la saga Cementerio de los libros olvidados, compuesta por El juego del ángel (2008), El prisionero del cielo (2011) y El laberinto de los espíritus (2016). Ambientadas en una misteriosa Barcelona, son cuatro historias independientes pero que comparten algunos personajes y escenarios.
En La sombra del viento, el niño Daniel Sempere es llevado por su padre a un lugar mágico y secreto: El Cementerio de los Libros Olvidados. Allí, este le indica que navegue por el laberinto de ejemplares y elija uno. El niño selecciona La sombra del viento, de Julián Carax, autor que muy pocos conocen y cuyas novelas son casi imposibles de conseguir.
A medida que crece, durante la primera mitad del siglo XX, Daniel va investigando qué fue del autor y sus libros, y se ve envuelto en una intrincada red de intriga, misterios, secretos y mentiras muy difícil de desentrañar.
Con una gran literariedad que atrapa hasta el final y cambios de narrador, página a página el lector va descubriendo la verdad de la mano de diferentes personajes que ayudan o dificultan la investigación de Daniel. ¿Llegará a conocer la verdad? ¿Quién es el enigmático Laín Coubert? ¿Recibirá su merecido el malvado Inspector Fumero? Te invitamos a averiguarlo…
El juego del ángel nos sumerge en una Barcelona de los años 20 del siglo pasado, que mantiene su aura de magia y misterio que se nos presenta en la primera entrega. La historia versa sobre la vida de David Martín, un joven escritor con talento pero sin éxito, quien comienza su carrera como folletinista y autor de historias de misterios poco valorada por los literatos. De la mano de Sempere, dueño de la librería de la calle Santa Ana (ya conocida en la entrega anterior), Martín conoce El Cementerio de los Libros Olvidados, en donde elige una obra que luego descubrirá que está relacionado con lo que le tocará vivir.
Tiempo después, David termina aceptando la propuesta de un extraño editor llamado Andreas Corelli para escribir un aún más extraño libro. A partir de ese momento, inesperados, peligrosos e insólitos sucesos se le presentan al autor.
Se trata de una historia de intriga y romance, que nos transportará a un laberinto de secretos insospechado.
En El prisionero del cielo nos encontramos otra vez con Daniel Sempere, ya casado y padre de un niño, y Fermín Romero de Torres, personajes del primer volumen de esta tetralogía de Carlos Ruiz Zafón. Ambos trabajan en la librería Sempere e hijos tranquilamente hasta que un día se presenta un enigmático individuo, cuya visita será el disparador del conflicto de esta historia.
Con una prosa envolvente, esta obra de amor y amistad incondicional va entrelazando los diferentes hilos sueltos que fue dejando en los dos volúmenes anteriores para aunarlos en esta entrega.
Acostumbrados a la gran extensión de las dos obras anteriores de la saga, este libro deja en alguna medida sabor a poco y deseos de más aventura y misterio, aunque el autor no desilusiona en su estilo, que continúa seduciendo a sus lectores como en todos sus libros.
Quizá el más interesante y atrapante de los cuatro tomos, El laberinto de los espíritus (2016) cierra la saga Cementerio de los libros olvidados entrecruzando a los personajes de las entregas anteriores, presentando nuevos y sellando el final de esta historia llena de misterios, dolor, pero también de amor y fidelidad.
En este libro, conocemos a Alicia Gris, un personaje que lucha con sus propios demonios mientras investiga la desaparición del ministro Mauricio Valls (conocido por el lector en el tomo anterior por ser el director de la cárcel del Castillo de Montjuïc). Esta investigación saca a la luz una trama de intrigas y terribles crímenes que emponzoñaron la España de la posguerra.
Una vez más, serán una pieza clave de la historia el librero Daniel Sempere y Fermín Romero de Torres, quien aporta el humor necesario para romper con la oscuridad y tristeza de una Barcelona sumida en la dictadura.
Con su mágica prosa y colmada de literariedad desde el primer libro de esta tetralogía, Ruiz Zafón transporta al lector a una de las peores épocas de una España renqueante pero que no baja los brazos.
Sobre el autor
Carlos Ruiz Zafón fue uno de los autores más reconocidos de la literatura internacional de nuestros días y el escritor español más leído en todo el mundo después de Cervantes. Sus obras han sido traducidas a más de cincuenta idiomas.
En 1993 se dio a conocer con El Príncipe de la Niebla, que forma, con El Palacio de la Medianoche y Las Luces de Septiembre, la Trilogía de la Niebla. En 1998 llega Marina. En 2001 publicó La Sombra del Viento, la primera novela de la saga de El Cementerio de los Libros Olvidados, un universo literario que se ha convertido en uno de los grandes fenómenos de las letras contemporáneas en los cinco continentes.
Suicidio perfecto, Petros Márkaris
El comisario Kostas Jaritos está de baja luego de recibir un balazo durante una investigación. Ya casi recuperado, pero sin poder retomar su empleo aún, intenta entretenerse con sus diccionarios, los periódicos y algo de televisión. Una noche un rico empresario se suicida en plena entrevista televisiva, lo que dispara la curiosidad del comisario. Este empieza a indagar por su cuenta, solo con la ayuda de los diarios y algún contacto.
Narrada por su protagonista, Kostas Jaritos, la novela arrastra al lector por una investigación muy intrincada, difícil de desentrañar (incluso para avezados lectores), que pronto se ve complicada por situaciones particulares del comisario.
Entre el sarcasmo y humor fino, el lector se encuentra con una dura crítica a una Grecia con problemáticas sociales y económicas, xenofobia, conflictos laborales, corrupción política y fanatismos ideológicos.
Un libro de lectura rápida, que atrapa por su misterio, sus detalladas descripciones y sus personajes bien definidos y caracterizados.
Sobre el autor
Petros Márkaris nació en Estambul en 1937. Nacionalizado griego, comenzó su carrera literaria en 1965 como dramaturgo con la pieza Historia de Ali Retzos. Desde entonces ha escrito otras obras de teatro, guiones cinematográficos y su famosa serie detectivesca del comisario Jaritos, cuyas novelas han sido traducidas a numerosos idiomas.
La mirada de los ángeles, Camilla Läckberg
Tras la pérdida de su pequeño hijo, Ebba y su marido Mårten se trasladan al antiguo internado de la isla de Valö. Un pasado atroz pesa sobre la gran casona, propiedad de la familia de ella: en la noche de Pascua del año 1974, cinco miembros de una misma familia desaparecieron y nunca más se supo de ellos.
A medida que avanza la historia, la autora lleva a cabo muchos saltos temporales y cambios de narrador que van dejando retazos del pasado, útiles para que, poco a poco, el lector vaya armando el rompecabezas y comprendiendo lo que sucede. Estas diferentes líneas temporales finalmente terminan uniéndose, dando a conocer lo que el lector seguramente había empezado a sospechar.
La autora realiza una idónea caracterización de los personajes (algunos nuevos y otros que ya participaron en otras entregas de la saga) y logra una buena ambientación con sus descripciones, que colocan al lector en los lugares de la acción.
Octava parte de la saga Los crímenes de Fjällbacka (que se pueden leer independientemente), se trata de una historia atrapante, mezcla de policial negro y clásico, que se lee rápido y combate el aburrimiento. Intriga, intereses políticos y económicos, neofascismo y discriminación, amor, secretos y mentiras se alojan entre sus páginas.
Sobre la autora
Camilla Läckberg es una exitosa escritora sueca de policiales, quien antes de incursionar en la escritura se licenció en Economía y trabajó de ello por dos años. Publicó su primera novela, La princesa de hielo, después de haber realizado un curso de escritura criminal.
Es la creadora de una serie de novelas policíacas ambientadas en la región costera de Fjällbacka, donde creció. Varias de sus obras han sido llevadas al cine y también a la televisión en una serie de éxito, Los crímenes de Fjällbacka. Al margen de escribir ficción criminal también ha publicado varios libros infantiles y de cocina.
La mejor oferta, Giuseppe Tornatore
Sobre esta nouvelle, dice Tornatore que tuvo por mucho tiempo a los personajes elegidos sin poderlos reunir y armar una historia para ellos: “(Ella es) una muchacha muy introvertida que vivía encerrada en casa porque tenía miedo de salir a la calle y mezclarse con la gente» y él “un hombre perteneciente a un mundo que siempre me ha atraído, el del arte y las antigüedades, un subastador obsesionado con los guantes». Años después, el famoso director de cine logró la inspiración y, dejándose llevar por su instinto, escribió esta historia sin ánimos de publicarla. Cuando un editor se interesó en el guion de la película que ya estaba dirigiendo, le habló de este escrito y finalmente se editó como libro.
En esta historia el lector conoce a los personajes antes descriptos cuando ella, Claire Ibbetson, decide vender algunas antigüedades y le pide a él, Virgil Oldman, un presupuesto. En unas pocas páginas, con capítulos extra cortos y un narrador externo centrado en el punto de vista del subastador, se va adentrando en la psicología de Oldman, descubriendo sus obsesiones y atestiguando su evolución.
Con un lenguaje escueto y sin muchos recursos, el autor logra atrapar la atención del lector, quien se encuentra al final con un sorpresivo desenlace, a pesar de las delicadas pistas desperdiciadas aquí y allá.
Sobre el autor
Giuseppe Tornatore es un director y guionista italiano. Comenzó su trayectoria profesional como fotógrafo y realizador televisivo antes de debutar en la gran pantalla, a mediados de los años 80, con “El Profesor” (1986), una película de gángsters protagonizada por Ben Gazzara.
Su siguiente proyecto, “Cinema Paradiso” (1988), drama nostálgico e iniciático con trazos autobiográficos, consiguió el éxito internacional y ganó el Premio Oscar a la mejor película de habla no inglesa.
El abanico de seda, Lisa See
Esta novela, publicada por primera vez en 2005, nos revela a través de la voz de una de sus protagonistas las vicisitudes que debían afrontar las mujeres chinas durante el siglo XIX, desde el vendado de pies hasta el sometimiento y el autoritarismo de los hombres.
El libro comienza con la anciana Lirio Blanco que se dispone a contar su historia a partir de sus 5 años, en 1823. Historia llena de sufrimientos físicos y espirituales, degradación, injusticias y férreos mandatos sociales y culturales, pero también de un profundo amor.
Lirio Blanco es hija de una humilde familia de campesinos que es hermanada con Flor de Nieve, una niña de diferente origen, pero que gracias a una serie de coincidencias, son seleccionadas para convertirse en laotong («mi otro yo» o «alma gemela»), un profundo vínculo que dura toda la vida.
Las niñas y luego mujeres adultas mantendrán su lazo a través de los mensajes en nu shu (lenguaje secreto exclusivamente femenino para comunicarse libremente entre sí), plasmados en un abanico. Allí darán cuenta de sus más íntimos pensamientos y emociones, y se consolarán de las penalidades del matrimonio y la maternidad. El nu shu las mantendrá unidas, hasta que un error en la interpretación de uno de los mensajes amenazará con truncar su profunda amistad.
La novela sigue un orden cronológico y transporta al lector a la China del siglo XIX, en donde el sometimiento de la mujer y las tradiciones ancestrales están a la orden del día, atravesados a su vez por rebeliones sociales.
Sobre la autora
Nacida en París, pero de origen chino, Lisa See es conocida por sus novelas de estilo costumbrista, ambientadas en su mayor parte en China.
Trabajó como periodista y redactora para diferentes medios antes de dedicarse por completo a la literatura.
A lo largo de su carrera ha obtenido menciones de los Premios Asian/Pacific y de varias asociaciones culturales y sociales chinoamericanas.
Entre sus obras se encuentran El abanico de seda, El pabellón de las peonías y Muñecas chinas, entre otras.
Las cosas que perdimos en el fuego y Los peligros de fumar en la cama, Mariana Enríquez
Los peligros de fumar en la cama (2009) y Las cosas que perdimos en el fuego (2016) son dos compilaciones de cuentos, pertenecientes al género de terror, de la autora argentina Mariana Enríquez. En ellos el lector se encuentra con diferentes historias, algunas de ellas más espeluznantes que otras, pero todas poseen los arquetipos del género renovados, traducidos a nuestra cultura, produciendo así un mayor efecto en el lector.
Con referentes como Stephen King, H. P. Lovecraft, Shirley Jackson o Julio Cortázar, en sus relatos Enríquez indaga en lo siniestro de lo habitual que nos rodea, creando imágenes poderosísimas que dejan una profunda huella.
Criaturas ominosas, fantasmas, rituales sangrientos, casas encantadas y más aparecen en sus cuentos, dentro de escenarios cotidianos, transformando construcciones sociales en objetos de temor, con lo que la autora logra trastocar e incomodar, dejando latente una lectura social sobre nuestra realidad.
Sobre la autora
Mariana Enríquez (Buenos Aires, 1973) es periodista y escritora, y una de las principales referentes del género en el país. Sus relatos fueron publicados en antologías de España, México, Chile, Bolivia y Alemania. Admiradora de Stephen King y Ray Bradbury no tiene dificultad en trasladar lo mejor del género anglosajón a las calles y suburbios de nuestro país.
Publicó relatos, novelas y colabora en distintos medios, entre ellos: Radar; TXT; La mujer de mi vida; El Guardián. Escribió su primera novela a los 19 años, Bajar es lo peor, que se convirtió en un éxito de ventas y un libro de culto en Argentina. Los cuentos de Las cosas que perdimos en el fuego ganó el Premio Ciutat de Barcelona y en 2019, ganó el Premio Herralde de la Editorial Anagrama, con su última novela Nuestra parte de noche.
Te puede interesar: «Nominación de Los peligros de fumar en la cama«, «Terror 2020«, «Premio Celsius para Mariana Enríquez«, «Mariana Enríquez, al Fondo Nacional de las Artes«, y «Escritoras argentinas de hoy«.
La trabajadora, Elvira Navarro
Elisa es una joven correctora de textos que a duras penas logra sobrevivir, ya que la editorial —para la que trabaja de manera freelance— le debe varios sueldos por su trabajo. Inmersa en una crisis de ansiedad, decide compartir su piso con otra mujer 10 años mayor que ella para subsistir.
Alterego de la autora (como ella misma confesó), Elisa —la trabajadora— representa la realidad de muchos españoles de la generación de Elvira Narravo. Así, la novela lleva a la reflexión de una situación social (la España en crisis) a través de las descripciones de una Madrid con tiendas cerradas, menos estatuas en los parques y cartoneros deambulando por las noches.
Tercera novela de Navarro, La trabajadora (2014) transgrede la estructura de la novela tradicional con saltos temporales y la incorporación de diferentes voces. De esta manera, el lector se encuentra al comienzo de la lectura con un monólogo de Susana, la inquilina, mechado por comentarios de Elisa, quien, sumergida en una nube de medicación psiquiátrica, intenta conocer el pasado de esta mujer excéntrica y tan distinta a ella en muchos sentidos.
Una obra corta para meterse en la psicología de unos personajes jóvenes y reflexionar sobre las dificultades e incertidumbres de los últimos años.
Sobre la autora
Elvira Navarro (Huelva, 1978), licenciada en Filosofía y con experiencia en el sector editorial, además de La trabajadora (2014), escribió La ciudad en invierno (2007), La ciudad feliz (2009), El invierno y la ciudad (2012) y Los últimos días de Adelaida García Morales (2016).
Elvira Navarro es también autora del blog «Periferia», un work in progress sobre los barrios de Madrid que explora los espacios limítrofes e indefinidos. Su obra ha sido parcialmente traducida al inglés, francés, sueco, italiano y turco.
Y Matarazo no llamó…, de Elena Garro
Esta novela corta de la gran escritora mexicana fue escrita en París en 1960 y publicada por primera vez en 1991. En ella se cuenta lo que le sucedió a Eugenio Yáñez, burócrata solitario y desesperado de compañía, luego de que se solidariza con los obreros en huelga llevándoles cajas de cigarrillos para pasar la noche. Tras la represión de esta huelga, Yáñez se ve involucrado en una historia policiaca oculta, repleta de atolladeros. Interpelado por un grupo de obreros, un día conoce a Matarazo, un enigmático hombre cuyo lugar en el grupo y su influencia en la organización son, hasta el final, inciertos.
Con un narrador equisciente, centrado en el punto de vista de Yáñez, Garro sumerge al lector en un ambiente opresivo, colmado de miedo, desconfianza, injusticia y soledad. Con esta historia de un hombre común, la autora logra crear la imagen de un sistema político policial en el México de los años cincuenta y sesenta y plasma una aguda crítica al régimen autoritario mexicano de esa época.
“Hacía varios días que de noche la casa de Eugenio cambiaba de lugar. De día estaba a espaldas de la Avenida de Los Insurgentes, de noche no se sabía adónde la llevaban. Antes la casa había sido sedentaria, ahora se había convertido en andariega y vagabunda”. En este fragmento inicial de la novela se ve reflejado el estilo exquisito y único de Elena Garro, quien con sus recursos literarios promueve la reflexión sobre los efectos devastadores de la violencia política.
Violencia, intrigas, mentiras, miedo, injusticia y más encontrarás entre las páginas de Y Matarazo no llamó…
Sobre la autora
Elena Garro (1916-1998) fue una escritora, guionista y periodista mexicana, esposa del escritor Octavio Paz y amante de Adolfo Bioy Casares. A raíz de la masacre de Tlatelolco en 1968, fue al exilio primero en Estados Unidos y España, luego en Francia, donde permaneció veinte años.
Autora de obras excepcionales de diferentes géneros —teatro, novela y cuento—, es considerada, junto con Juan Rulfo, como la iniciadora del realismo mágico por sus obras Un hogar sólido (1958), Los recuerdos del porvenir (1963) y La semana de colores (1964). En los cuentos de Elena Garro, la historia de México sirve como eje para desplegar cuestionamientos acerca de su momento histórico, planteando una realidad llena de fantasía y recuperando la visión de los vencidos, aquellos que fueron olvidados por la historia, pero que aún recuerdan las injusticias que los han oprimido.
21 lecciones para El siglo XXI, Yuval Noah Harari
Publicado en agosto de 2018, este libro está compuesto por 21 ensayos —algunos de ellos ya publicados en diferentes medios— del filósofo e historiador israelí Yuval Noah Harari, en los que reflexiona y hace reflexionar al lector sobre nuestro presente y las posibles consecuencias que este puede traer. De esta manera, toca temas como el cambio climático, la inteligencia artificial, el trabajo, las migraciones, los nacionalismos, la posverdad, el autoritarismo, entre otros, y los relaciona con los problemas tecnológicos, políticos, sociales y existenciales de nuestro tiempo.
Tras la publicación de Sapiens: De animales a dioses (2014) y Homo Deus: Breve historia del mañana (2016) —donde estudiaba el pasado de la humanidad y su futuro—, el autor nos presenta aquí una mirada mucho más profunda sobre lo que algunos vienen proyectando, incluso en la ficción, desde hace muchos años, desmenuzando en especial todo lo referente al avance de la tecnología.
Un libro en extremo Interesante y recomendable para que el lector observe la realidad desde otro punto de vista, debata sobre ello y reflexione sobre el mundo en el que quiere vivir.
Sobre el autor
Yuval Noah Harari nació en 1976 y es un historiador, filósofo y escritor israelí. Profesor en la Universidad Hebrea de Jerusalén, se doctoró en Oxford y su especialidad inicial es la historia bélica medieval.
Entre sus obras más destacadas, se encuentran Sapiens: De animales a dioses: Una breve historia de la humanidad (2014) —éxito de ventas y recomendado por Mark Zuckerberg, Bill Gates y Barack Obama— y Homo Deus: Breve historia del mañana (2016).
En la actualidad, dicta charlas alrededor del mundo, exponiendo su pensamiento.
Estaciones de paso, Almudena Grandes
Publicado en 2005, este libro de cuentos recorre diferentes historias que tienen como protagonista a un/a adolescente que atraviesa un momento difícil en su vida.
En cada historia se ve plasmado a la perfección no solo el lenguaje y la forma de expresarse de los chicos de esa edad, sino también esa etapa tan conflictiva y repleta de cambios.
Compuesto por 5 relatos —»Demostración de la existencia de Dios», «Tabaco y negro», «El capitán de la fila india», «Receta de verano», «Mozart, y Brahms, y Corelli»—, el libro presenta diferentes situaciones y temas, como la música, la política, las carreras de toros, la cocina y la muerte como parte del camino de aprendizaje en la vida de estos jóvenes.
Un pequeño libro en el que la autora nos demuestra, una vez más, que sabe situarse en la piel de sus personajes y ponerles voz.
Sobre la autora
Almudena Grandes (Madrid, 1960) se dio a conocer en 1989 con Las edades de Lulú, XI Premio La Sonrisa Vertical. Desde entonces el aplauso de los lectores y de la crítica no ha dejado de acompañarla. Sus novelas Te llamaré Viernes, Malena es un nombre de tango, Atlas de geografía humana, Los aires difíciles, Castillos de cartón, El corazón helado y Los besos en el pan, junto con los volúmenes de cuentos Modelos de mujer y Estaciones de paso, la han convertido en uno de los nombres más consolidados y de mayor proyección internacional de la literatura española contemporánea. Varias de sus obras han sido llevadas al cine, y han merecido, entre otros, el Premio de la Fundación Lara, el Premio de los Libreros de Madrid y el de los de Sevilla, el Rapallo Carige y el Prix Méditerranée. En 2010 publicó Inés y la alegría (Premio de la Crítica de Madrid, el Premio Iberoamericano de Novela Elena Poniatowska y el Premio Sor Juana Inés de la Cruz), primer título de la serie Episodios de una Guerra Interminable, a la que siguieron El lector de Julio Verne (2012), Las tres bodas de Manolita (2014), Los pacientes del doctor García (2017; Premio Nacional de Narrativa) y La madre de Frankenstein (2020).
La ciudad de vapor, Carlos Ruiz Zafón
Puedo conjurar rostros de chiquillos del barrio de la Ribera con los que a veces jugaba o peleaba en la calle, pero ninguno que quisiera rescatar del país de la indiferencia. Ninguno excepto el de Blanca.
Un muchacho decide hacerse escritor al descubrir que sus invenciones le regalan un rato más de interés por parte de la niña rica que le ha robado el corazón. Un arquitecto huye de Constantinopla con los planos de una biblioteca inexpugnable. Un extraño caballero tienta a Cervantes para que escriba un libro como no ha existido jamás. Y Gaudí, navegando hacia una misteriosa cita en Nueva York, se deleita con la luz y el vapor, la materia de la que deberían estar hechas las ciudades.
Esta antología de cuentos de Carlos Ruiz Zafón —publicada póstumamente en 2020— está compuesta por relatos relacionados con la saga El cementerio de los libros olvidados por su temática, los personajes, la ampliación de la vida de alguno de ellos, la atmósfera… Magia, fantasía, leyendas, crímenes, recuerdos, una Barcelona única, relatos enmarcados… Todo eso y más encontrará el lector en estas páginas, surcadas por diferentes géneros literarios que diseminan en sus historias algunos de sus elementos: góticos, románticos, históricos y de la novela de aprendizaje.
A su vez, el reconocido escritor español, fallecido el año pasado, entre sus líneas juega con temas clásicos, como el doble, el espejo, la orfandad, entre otros, manejando la pluma con maestría.
La ciudad de vapor reúne sus cuentos, cuatro de ellos inéditos, y fue concebido como un homenaje al lector que siguió al autor a lo largo de su ya tan famosa saga.
Sobre el autor
Carlos Ruiz Zafón (Barcelona, 1964-Los Ángeles, 2020) es uno de los autores más reconocidos de la literatura internacional de nuestros días y uno de los escritores españoles más leído en todo el mundo después de Cervantes. Sus obras han sido traducidas a más de cincuenta idiomas. En 1993 se da a conocer con El Príncipe de la Niebla, que forma, con El Palacio de la Medianoche y Las Luces de Septiembre, la Trilogía de la Niebla. En 1998 llega Marina. En 2001 publica La Sombra del Viento, la primera novela de la saga de El Cementerio de los Libros Olvidados, que incluye El Juego del Ángel, El Prisionero del Cielo y El Laberinto de los Espíritus, un universo literario que se ha convertido en uno de los grandes fenómenos de las letras contemporáneas en los cinco continentes.
El amor y la peste, Juan Basterra
Buenos Aires en la década del 70 del siglo XIX. La fiebre amarilla deambulando por sus calles. En este contexto, Carlos Mendiguren, un rico hacendado, se enamora de Felicitas Matheu, una joven de familia aristocrática, varios años menor que él, cuyo amor es empañado por la peste que se llevaría a gran parte de la población de la ciudad.
Con un estilo ornamentado y, en algunos pasajes, cercano al naturalismo, el autor sumerge al lector en una trágica época de Buenos Aires, arrasada por una enfermedad aún desconocida por estas tierras. Se trata de una historia ficcional embebida en personajes reales y ficticios, amor, icónicas descripciones (como la fachada del puerto de Buenos Aires desde el río) y narraciones de algunos de los momentos más notorios de la historia de la ciudad (el desarrollo del cementerio de la Recoleta, los carros fúnebres, entre otros). Es una novela muy bien escrita, interesante por la historicidad y ambientación, pero que requeriría de un conflicto extra algo más fuerte y que la peste de la fiebre amarilla solo se limitara a ser el contexto en el que este se desarrolle.
Una edición del sello El guardián Literario (Editorial Barenhaus), con bonitos detalles aunque omitiendo en demasiadas ocasiones tildes en las palabras.
Sobre el autor
Juan Basterra nació en La Plata, Buenos Aires, el 27 de junio de 1959. Es profesor de Biología. Su novela La cabeza de Ramírez fue seleccionada para la Antología bilingüe español-inglés 12 narradores argentinos 2016-2017, editada por el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Vivió en París y Barcelona. Actualmente reside en Resistencia, Chaco. Su novela histórica Tata Dios (2018, Bärenhaus) se convirtió, en muy poco tiempo, en un éxito literario.
Pájaros en la boca y otros cuentos, Samanta Schweblin
Se trata del segundo libro de cuentos de la escritora argentina, que publicó por primera vez en el 2009 con quince relatos que luego amplió. Esta compilación, del 2017, incluye veinte ya publicados en ediciones anteriores e internacionales, además de dos cuentos inéditos.
Las historias que componen este libro, sin relación entre sí, nadan entre lo real y lo fantástico y todas se las ingenian para fascinar o descolocar al lector. Partiendo de un universo conocido, en el que cualquiera podría sentirse identificado —como dos hombres que paran a tomar algo en la ruta o una persona que decide descansar en la playa—, los relatos terminan dando un giro inesperado, con un final generalmente abierto, latente, para que el lector le imprima su significado.
Con un estilo sobrio pero elocuente, Schweblin en estos cuentos cortos toca temas como la paternidad y la maternidad, la vejez, los nacimientos, la muerte y la esencia humana. Algunos pueden resultar más fuertes que otros, pero ninguno pasa desapercibido. Un libro que marca al lector y lo lleva a la reflexión.
Sobre Samanta Schweblin
Escritora argentina (Buenos Aires, 1978), traducida a más de veinticinco lenguas y becada por distintas instituciones. Vivió brevemente en México, Italia, China y Alemania, y desde el 2012 reside en Berlín, donde escribe y dicta talleres literarios.
En el 2001 ganó el primer premio del Fondo Nacional de las Artes por su libro de cuentos El núcleo del disturbio (2002), y su relato «Hacia la alegre civilización de la capital» obtuvo el del Concurso Nacional Haroldo Conti. Su segundo libro de cuentos, Pájaros en la boca (2009), obtuvo el Casa de las Américas 2008. Dos años más tarde fue elegida por la revista británica Granta como una de los veintidós mejores escritores en español menores de 35 años. Se convirtió en la primera argentina en ganar el premio estadounidense que honra el legado de Shirley Jackson (una de sus autoras preferidas) e integró la lista de finalistas del Man Booker Price International. Ambas distinciones fueron por la novela corta Distancia de rescate (2014).
La madre de Frankenstein, de Almudena Grandes
Perteneciente al ciclo de los Episodios de una Guerra Interminable, esta novela histórica —inspirada en el caso real de Aurora Rodríguez Carballeira (1879-1956)— cuenta la historia de un joven psiquiatra que, luego de vivir muchos años en la neutral Suiza, regresa en 1954 a su país ante la posibilidad de desarrollar un proyecto que podría virar el curso de la psiquiatría.
En Ciempozuelos, el manicomio para mujeres en el que comienza a trabajar, Germán Velázquez se reencuentra con una parricida paranoica de una gran inteligencia, que había conocido por casualidad cuando era un niño. En plena dictadura franquista e inmerso en un país repleto de restricciones, este médico luchará contra las duras dificultades y atropellos de la mano de la auxiliar de enfermería María Castejón, quien también posee un pasado con esta paciente.
Con saltos temporales y de puntos de vista, página a página el lector se va sumergiendo en un interesante relato embebido de la historia del país y contado por los propios protagonistas. Así, a través de sus ojos, el lector es testigo de los sentimientos que provoca la peor etapa de España y las persecuciones, injusticias, abusos y sometimiento que deben padecer los españoles de ese tiempo. Esta alternancia de voces —plasmada a la perfección en las diferencias en el lenguaje— permite conocer el presente y el pasado de estos personajes, el exilio tras la guerra, las durísimas condiciones de vida de los más humildes o el monopolio que sobre la psiquiatría del país ejercieron tanto Vallejo Nájera como López Ibor, firme defensor este último de la eugenesia que llevaron a cabo los nazis.
Con un estilo rico y envolvente, la última novela de Almudena Grandes lleva al lector a un recorrido por una España cruda y olvidable, para no olvidar.
Sobre Almudena Grandes
Almudena Grandes (Madrid, 1960) se dio a conocer en 1989 con Las edades de Lulú, XI Premio La Sonrisa Vertical. Desde entonces el aplauso de los lectores y de la crítica no ha dejado de acompañarla. Sus novelas Te llamaré Viernes, Malena es un nombre de tango, Atlas de geografía humana, Los aires difíciles, Castillos de cartón, El corazón helado y Los besos en el pan, junto con los volúmenes de cuentos Modelos de mujer y Estaciones de paso, la han convertido en uno de los nombres más consolidados y de mayor proyección internacional de la literatura española contemporánea. Varias de sus obras han sido llevadas al cine, y han merecido, entre otros, el Premio de la Fundación Lara, el Premio de los Libreros de Madrid y el de los de Sevilla, el Rapallo Carige y el Prix Méditerranée. En 2010 publicó Inés y la alegría (Premio de la Crítica de Madrid, el Premio Iberoamericano de Novela Elena Poniatowska y el Premio Sor Juana Inés de la Cruz), primer título de la serie Episodios de una Guerra Interminable, a la que siguieron El lector de Julio Verne (2012), Las tres bodas de Manolita (2014), Los pacientes del doctor García (2017; Premio Nacional de Narrativa) y La madre de Frankenstein (2020).
La migración, de Pablo Maurette
¿Con qué se va a encontrar el lector en esta novela? Con un misterio que 25 años después aún no fue resuelto, con una eterna noche repleta de alcohol y lectura, con una Buenos Aires del futuro (específicamente, de 2041), con saltos temporales, dolor, amor y miedo.
Entre idas y vueltas en el tiempo, a través de un relato enmarcado, en La migración se entremezcla la crónica del asesinato de un profesor, la historia de Rumania y la creencia en la transmigración de las almas con la lectura del documento. Así, el libro nos presenta a tres hombres (dos amigos y el hermano del protagonista del misterio) que se vuelven a reunir ante la aparición de un manuscrito de este último. A partir de los comentarios de estos personajes y de lo que leen, se va sumando información sobre lo que sucedió 25 años atrás y quiénes son las personas que interrumpen continuamente la narración en primera persona.
La primera novela de Pablo Maurette captura al lector y lo sumerge en un mundo extraño, con muchas preguntas, pocas respuestas y vivas descripciones que permiten al lector ver y sentir lo que sucede.
Sobre Pablo Maurette
El ensayista argentino que se popularizó a nivel mundial por armar, desde Twitter, lecturas de Dante, Cervantes y Homero, nació en Buenos Aires, es licenciado en Filosofía por la Universidad de Buenos Aires, magíster en estudios bizantinos en la Universidad de Londres, y doctor en literatura comparada por la Universidad de Carolina del Norte, Estados Unidos. Actualmente, Maurette es profesor de literatura comparada en la Universidad de Chicago.
El mono en el remolino, de Selva Almada
Con su pequeña ola y sus remolinos sin salida, iba y venía, con precisión, un mono muerto, todavía completo y no descompuesto. El agua, ante el bosque, fue siempre una invitación al viaje, que él no hizo hasta no ser mono, sino cadáver de mono. El agua quería llevárselo y lo llevaba, pero se le enredó entre los palos del muelle decrépito y ahí estaba él, por irse y no, y ahí estábamos.
Ahí estábamos, por irnos y no.
(Zama, de Antonio Di Benedetto)
El mono en el remolino es un libro de la escritora entrerriana Selva Almada, que reúne las notas del rodaje de “Zama”, un film de la directora Lucrecia Martel inspirado en la novela homónima de 1956, obra maestra del escritor y periodista Antonio Di Benedetto.
La escritora acompañó a Martel y su equipo durante parte del tiempo que duró el rodaje y, a partir de entrevistas y, especialmente, de la observación de todo lo que la rodeaba, construyó esta original obra compuesta por relatos, pequeñas prosas poéticas, incluso un monólogo y escenas reescritas con mínimas variantes. En estas notas, Almada se detiene en los márgenes del rodaje, en las comunidades aborígenes y en la interacción entre las personas del lugar.
Con descripciones claras, sencillas pero muy elocuentes, el libro cuenta mucho más que simplemente lo que sucede en el rodaje de esta película: “Una anciana quom llegó decidida al casting. En el barrio casi no hay viejos: la gente muere antes a causa de la mala alimentación, la pobreza y las enfermedades. Ella es una de las pocas sobrevivientes. (…) Se vio rodeada de personas blancas y extrañas. Tuvo miedo de que la raptaran”.
A lo largo de sus 93 páginas, el lector ve, huele y siente una realidad muy distinta a la que se vive en Buenos Aires. Así, es testigo del calor y el barro, los insectos, el río Paraná, pueblos olvidados repentinamente transmutados en escenografía, las comunidades quom y pilagá, guaraníes, haitianos, cementerios domésticos y más.
Sobre el título del libro, la escritora explicó: “Parecía como que todo estuviese empapado, inmerso en ese remolino, también por eso el título era un poco esa escena que está al comienzo de Zama, que me parece magistral porque es como la síntesis de la novela, el corazón de la novela puesto en la primera página”.
Sobre Selva Almada
Selva Almada nació en Villa Elisa, Entre Ríos, el 5 de abril de 1973. Es escritora y ha incursionado en poesía, cuento y novela. Irrumpió en la no ficción en 2014, con Chicas muertas, un libro de crónicas sobre casos de femicidio en los años 80.
Almada dejó la carrera de comunicación social a los 20 años y empezó a estudiar literatura. Luego publicó los libros de relatos Una chica de provincia y Niños, y el libro de poemas Mal de muñecas. Su producción literaria cobró particular prestigio y elogios de la crítica en 2012 con la publicación de su primera novela, El viento que arrasa, que cuenta con varias reediciones, fue publicada en el exterior y traducida al francés, portugués, holandés y alemán. Este libro obtuvo el Primer Libro del Festival Internacional del Libro de Edimburgo 2019, más conocido como el First Book Award de Edimburgo.
Catedrales, Claudia Piñeiro
Una adolescente de 17 años aparece muerta en un baldío, quemada y descuartizada. La causa se cierra sin culpables y con el corrosivo desconocimiento por parte de su familia de quién o quiénes fueron los responsables.
Catedrales (2020) cuenta la historia de una familia muy católica de Adrogué que un día ve su mundo resquebrajado por la fatalidad, al morir Ana, la hija menor. Treinta años después, aún sin conocer la verdad, la vida une los caminos de las dos hermanas mayores —distanciadas hacía tiempo—, a partir de la desaparición del hijo de una de ellas.
Con una temática muy actual, la novela es narrada en primera persona, saltando de personaje en personaje en cada apartado, de forma tal que, desde las diferentes perspectivas, los lectores vamos descubriendo poco a poco algo más sobre lo que sucedió años atrás. Esto nos permite ir armando el rompecabezas de la terrible muerte de Ana.
Gracias a esta elección en la perspectiva, del manejo del lenguaje y los diferentes recursos utilizados, la obra mantiene la intriga a lo largo de sus páginas, a la vez que deja al descubierto falsas apariencias, fanatismos religiosos, prejuicios, el insondable dolor de una familia y el amor incondicional de un padre que nunca detiene su búsqueda de la verdad.
Sobre Claudia Piñeiro
Escritora, guionista de televisión, dramaturga y contadora argentina, trabajó en periodismo gráfico y ganó premios nacionales e internacionales en literatura, teatro y periodismo. Además de muchas novelas, algunas de ellas adaptadas al cine, publicó cuentos para niños, así como cuentos y relatos, como Quién no.
Por su obra literaria, teatral y periodística, ha obtenido diversos premios nacionales e internacionales, como el Premio Pepe Carvalho del Festival Barcelona Negra y el XII Premio Rosalía de Castro del PEN (Club de Poetas, Ensayistas y Narradores de Galicia).
Kentukis, Samanta Schweblin
Casi siempre comienza en los hogares. Ya se registran miles de casos en Vancouver, Hong Kong, Tel Aviv, Barcelona, Oaxaca… y se está propagando rápidamente a todos los rincones del mundo. No son mascotas, ni fantasmas, ni robots. Son ciudadanos reales, y el problema -se dice en las noticias y se comparte en las redes- es que una persona que vive en Berlín no debería poder pasearse libremente por el living de alguien que vive en Sídney, ni una persona que vive en Bangkok desayunar junto a tus hijos en tu departamento de Buenos Aires. En especial cuando esas personas que dejamos entrar a casa son completamente anónimas.
La novela de la escritora argentina -seleccionada por el New York Times como uno de los 10 publicaciones más destacadas del 2018- presenta un mundo no muy diferente al que vivimos en la realidad, con la diferencia de que existen los Kentukis. ¿Qué son? Un mezcla de robot y peluche, adorables estéticamente, que se conecta de forma aleatoria con una persona en cualquier parte del mundo por completo anónima. Estas “seudomascotas” poseen una cámara que les permite ver todos los movimientos de su “amo”, pero no puede hablar. Por supuesto, en muchos casos, los interesados logran comunicarse a través de distintos medios que idean, aunque no todos los amos parecen quererlo.
La obra va saltando de punto de vista, centrándose en cada ocasión en la vida de diferentes personajes en diferentes partes del mundo. Estos personajes a veces son “amos” y a veces “mascotas”. Así, página a página, el lector ve las diferentes evoluciones de los vínculos creados, el placer que encuentran unos en el vouyerismo, entrando en una suerte de sumisión elegida, y otros, en exponer su intimidad a un completo desconocido.
Además, de provocar en el lector la reflexión acerca de la forma en que cambian las relaciones humanas con la llegada de todas estas tecnologías que se van instalando en nuestra cotidianeidad, también lo lleva a cuestionarse ¿ser o poseer un kentuki?
Sobre Samanta Schweblin
Es la autora de la novela Fever Dream, finalista de Man Booker International y su primer libro traducido al inglés. Fue elegida como una de las 22 mejores escritoras en español menores de 35 años por Granta y está en la lista de Bogotá39-2017. Sus historias en español han ganado numerosos premios, incluido el prestigioso Premio de Historia Juan Rulfo, y en inglés han aparecido en The New Yorker, Harper’s y en otros lugares. Su trabajo ha sido traducido a 20 idiomas. Originaria de Buenos Aires, ella vive en Berlín.
Lo mucho que te amé, Eduardo Sacheri
Creo que si alguien supiese la historia de mi vida la vería como una vida mal vivida, llena de secretos, traiciones, ocultamientos. Pero en esta historia en la que casi todo lo que hago lo hago mal, me permito creer que hay una cosa, una sola cosa, que hago bien.
Lo mucho que te amé es la última novela de Eduardo Sacheri que nos transporta a la década del 50 y 60, específicamente a una familia de origen español que vive en el barrio de Palermo.
Narrada desde la perspectiva de Ofelia, una de las cuatro hermanas Fernández Mollé, la obra nos sumerge en una historia de amor y en los dilemas que por ello la joven se ve obligada a atravesar.
En medio de conmociones políticas y sus consecuentes debates en las reuniones familiares, el lector va conociendo a esta muchacha feliz, a punto de casarse, llena de sueños y anhelos, cuya existencia cambia para siempre una tarde de domingo. Ofelia es la primera de la familia que decide estudiar y trabajar, y que discute con la idea que la sociedad del momento tiene del rol de la mujer.
Ante la inflexible y latente amenaza de su tía Rita, Ofelia va tomando decisiones que marcarán el curso de su vida y la sumirán en interminables reflexiones sobre sí misma, sus elecciones, lo que está bien y lo que está mal, y mucho más.
De esta manera, con abundantes diálogos, saltos temporales y monólogos por parte de la protagonista, se refleja no solo la lucha interna de la muchacha, sino también la de todas las mujeres jóvenes de la época que no se conformaban con casarse y tener hijos.
Mandatos sociales, moral, cuestionamientos, amor, secretos, traiciones, fraternidad y muerte impregnan las páginas de esta novela, que retrata una época de la sociedad argentina y cómo algunas mujeres comenzaron a quebrar el destino que las apresó por generaciones.
Sobre Eduardo Sacheri
Nació en Buenos Aires en 1967. Profesor y licenciado en Historia, ejerce la docencia universitaria y secundaria.
Ganador del XIX Premio Alfaguara de novela por La noche de la Usina (2016), ha publicado los libros de relatos Esperándolo a Tito y otros cuentos de fútbol (2000; Alfaguara, 2015), Te conozco, Mendizábal y otros cuentos (2001), Lo raro empezó después. Cuentos de fútbol y otros relatos (2004), Un viejo que se pone de pie y otros cuentos (2007), La vida que pensamos. Cuentos de fútbol (Alfaguara, 2013); la antología Las llaves del reino (Alfaguara, 2015), y las novelas Aráoz y la verdad (Alfaguara, 2008), El secreto de sus ojos (2005; Alfaguara, 2009), Papeles en el viento (Alfaguara, 2011) y Ser feliz era esto (Alfaguara, 2014).
Colabora en diarios y revistas nacionales e internacionales. El secreto de sus ojos fue llevada al cine por Juan José Campanella y obtuvo, entre otros premios, el Oscar a la mejor película extranjera, su guion estuvo a cargo del propio Sacheri y de Campanella.
Delirio, Laura Restrepo
Premio Alfaguara de novela 2004, en Delirio un hombre busca rescatar a su esposa de la locura en la se sumergió durante su ausencia en un viaje de negocios. Esta historia -protagonizada por Aguilar y Agustina Londoño-, es atravesada por otras, que van sumando piezas al rompecabezas.
Con una prosa disruptiva, saltos temporales y cambios del punto de vista, el lector, página a página, se va enterando de la verdad. Mientras que Aguilar descubre lo poco que conoce del pasado de su esposa, una extravagante muchacha 16 años menor y perteneciente a la clase alta de Bogotá.
Historias entrelazadas que develan una dura realidad colombiana, eternamente amenazada por el narcotráfico y la muerte. Pero también por falsas apariencias, aspiraciones de clase, codicia y amor.
Sobre Laura Restrepo
Escritora y periodista colombiana, Laura Restrepo González nació en Bogotá en 1950. Se graduó en Filosofía y Letras en la Universidad de los Andes y posteriormente hizo un postgrado en Ciencias Políticas. Fue profesora de Literatura en la Universidad Nacional y del Rosario, y se dedicó a la política.
Cometierra, Dolores Reyes
Me acosté en el suelo, sin abrir los ojos. Había aprendido que de esa oscuridad nacían formas. Traté de verlas y de no pensar en nada más, ni siquiera en el dolor que me llegaba desde la panza. Nada, salvo un brillo que miré con toda atención hasta que se transformó en dos ojos negros. Y de a poco, como si la hubiera fabricado la noche, vi la cara de María, los hombros, el pelo que nacía de la oscuridad más profunda que había visto en mi vida.
Cometierra es la primera novela de la escritora argentina Dolores Reyes. En ella se cuenta la historia de una niña y luego mujer joven quien, a través de consumir tierra, tiene visiones sobre personas y hechos. De esta forma descubrió que su papá había matado a golpes a su mamá y que su maestra Ana había sido violada y asesinada en un corralón.
A través de las páginas que componen esta obra corta nos adentramos en un mundo en el cual la violencia, la injusticia, la necesidad y la pobreza crecen por todos lados. Allí vive la protagonista, que se ve obligada a enfrentar el sufrimiento de los otros —lo que se suma a sus propios conflictos— por esta capacidad de ver lo que le sucedió a una persona. Sin saber cómo, se hace conocida por esta capacidad de ver y muchos recurren a ella para que encuentre al ser querido desaparecido, en especial, mujeres.
La novela está narrada en primera persona, con un lenguaje directo y llano, utilizando la voz de la propia protagonista, su forma de expresarse y de ver el mundo. Esto acerca al lector a esta chica en lucha permanente entre evadirse de la crueldad que la rodea y ayudar a los que acuden a ella.
Lo fantástico y lo real —lo cruelmente real— se unen en esta obra que sacude, marca, desgarra y, sobre todo, abre los ojos e interpela a todo el que transita por sus líneas.
Sobre Dolores Reyes
Nació en Buenos Aires en 1978. Es docente, feminista, activista de izquierda y madre de siete hijos. Estudió letras clásicas en la Universidad de Buenos Aires. En la actualidad, vive en Caseros, Provincia de Buenos Aires. Cometierra es su primera novela.
Carta breve para un largo adiós, Peter Handke
Tras un divorcio traumático, corolario de un matrimonio que había degenerado en rencor, incomprensión y violencia, un hombre viaja a Estados Unidos para descansar de tanto dolor. América, ese paisaje anónimo, es el lugar perfecto: le permite poner en perspectiva sus últimos años, verse como nunca antes lo había hecho y descubrir, quizás, que puede ser otro.
Ese sería, naturalmente, el viaje ideal. La vida es más torpe y ofrece unos obstáculos que la conciencia y el deseo no suelen considerar. Mientras recorre Estados Unidos con una mujer y su hija, además del paisaje cultural, además de las personas que conoce y lo renuevan, descubre que su ex esposa lo persigue. Con un revólver. Al mismo tiempo, ese continente que habría de liberarlo de su existencia anterior, lo envía a su infancia, a sus miedos, a esas debilidades que en vez de atenuarse, se potencian. Antes de volver a empezar, si tal cosa sucede, debe expurgar fantasmas y un pasado irresuelto. La pareja, el amor, la soledad, he ahí los tres temas que ese hombre, lejos de todo y tan cerca de si mismo, tiene que develar. Son un iceberg en su carácter, y quizás lo sean siempre.
Escrita en 1971, esta novela está narrada en primera persona por el protagonista, con un estilo crudo y austero, que con pocas aunque justas palabras presenta bellas descripciones aquí y allá. El narrador es un hombre conflictivo que acaba de salir de un divorcio más conflictivo aún y que lo lleva a realizar un extraño viaje sin rumbo fijo por Estados Unidos, para transformarse a sí mismo y recomponer lo roto.
De todo esto nos vamos enterando poco a poco, a medida que avanzamos en la lectura y así descubrimos que su exmujer lo está persiguiendo e intenta matarlo, además de robarle.
La voz del narrador semeja la de alguien que acaba de salir de un largo período de entumecimiento y, después de estar un tiempo aturdido, comenzara a ver todo con otros ojos. Casi la mirada de una persona que estuvo mucho tiempo fuera de su país y que vuelve a su tierra para sólo encontrar extrañeza. De esta forma, nos va presentando todo lo que aparece a su alrededor, pareciendo por momentos un observador objetivo, sin embargo, esa mirada siempre está atravesada por su subjetividad.
A su vez, el personaje principal, a lo largo de su recorrido, realiza un proceso de introspección que lo lleva a observar con detalle los recuerdos que tiene de su madre, su relación con la naturaleza, el modo en que funciona la memoria, los mecanismos de registro de la experiencia, la posibilidad de representación del arte, el delicado delirio de imágenes que aparece en sus sueños.
Recomendable novela del ganador del Premio Nobel de Literatura 2019.
Sobre Peter Handke
Nacido en Griffen, Carintia, Austria, el 6 de diciembre de 1942, Peter Handke es escritor, autor de teatro, novela, poesía y ensayo. También es guionista y director de cine y ganador del Premio Nobel de Literatura 2019.
Handke cursó estudios en un duro internado, cuya influencia se ha dejado notar en el resto de su obra. En 1961 inició la carrera de Derecho en la Universidad de Graz, pero abandonó poco tiempo después para abrazar su gran pasión: la literatura.
Sus primeras obras están relacionadas con el mundo del teatro, dentro de las vanguardias de principios de los años 60. Los títulos más conocidos de esta época son Gaspar, Insultos al público y El pupilo quiere ser tutor.
Se inició en la novela con Los avispones, instalándose en París a principios de 1970. El suicidio de su madre, pocos meses después, marcó un antes y un después en su obra. A este periodo pertenecen obras como El peso del mundo e Historia de un lápiz.
Handke también ha sido un polémico ensayista, sobre todo alrededor de la Guerra de Yugoslavia, con títulos como Justicia para Serbia, La noche del Morava o Contra el sueño profundo.
A lo largo de su carrera, además del Nobel de Literatura, Handke ha recibido premios tan importantes como el Georg Büchner, el Franz Kafka o el Ibsen.
El laberinto, Matthew Reilly
La biblioteca pública de Nueva York es un santuario de conocimientos: un laberinto centenario de imponentes librerías, angostos pasillos e interminables vestíbulos de mármol.
Para el doctor Stephen Swain y su hija Holly es la materialización de una pesadilla… Ya que por una noche, este insigne edificio se convierte en el escenario de una competición. Una competición en la que Swain debe participar, lo quiera o no. Las reglas son sencillas: siete concursantes entran en el laberinto; solo uno saldrá con vida.
Con una niña de ocho años como única aliada, el doctor Swain se ve empujado a librar una terrible batalla por la supervivencia. Puede intentar huir, esconderse o luchar pero, si quiere seguir vivo, tendrá que vencer. En esta competición, o sales victorioso… o no sales.
Esa es la sinopsis con la que se encuentra el futuro lector al leer la contratapa. Lo que encuentra cuando lee sus páginas es una novela con mucho suspenso, ciencia ficción y bastante sangrienta que se lee muy rápido y fácil, buena opción para esos días que solo se desea puro entretenimiento con una lectura pasativa y que no exija análisis.
Los cambios en el punto de vista desde el cual se relata la historia y los cuantiosos diálogos permiten ir uniendo los hilos que la componen y construyendo a los personajes principales. De esta manera, el lector es testigo de una competición —el Presidian—, en la que Stephen Swain se ve obligado a participar y a la que arrastra sin querer a su hija, Holly. A modo de Los juegos del hambre, el protagonista debe luchar por su vida y la de la pequeña dentro de este laberinto del que no puede salir, para lo que debe utilizar toda su inventiva, inteligencia y la ayuda de su pequeño guía, Selexin. Una y otra vez, Swain se ve inmerso en situaciones de mucha tensión y acción que, a pesar de las desventajas que posee con respecto a los demás participantes, se las ingenia en la mayoría de las ocasiones para salir airoso a último momento, lo que termina imprimiéndole a la historia algo de previsibilidad.
Desde el comienzo, el lector se encuentra atrapado por lo que sucede y urgido a seguir leyendo, aunque los que no son muy amantes de la ciencia ficción y lo sangriento puede que se desilusionen en alguna medida y no lo agreguen a su lista de libros preferidos. Con todo, es un libro recomendable, en especial, para aquellos que aman la ciencia ficción, la acción y el suspenso.
La caída de los gigantes, Ken Follett
«La trilogía «The Century» es la historia de mis abuelos y de los vuestros, de nuestros padres y de nuestras vidas. De alguna forma es la historia de todos nosotros». Ken Follet
En esta primera parte de la trilogía –que se completa con El Invierno del Mundo y El umbral de la eternidad- se narra la historia de cinco familias durante el primer cuarto del siglo XX, por lo que se centra especialmente en la Primera Guerra Mundial, la Revolución rusa y la lucha de hombres y mujeres por sus derechos.
La historia empieza en 1911, el día de la coronación del rey Jorge V en la abadía de Westminster, y el día en que un joven galés baja por primera a la mina. Así, entramos en la vida de dos familias (los Williams y los Fitzherbert) completamente opuestas en muchos sentidos (posición socioeconómica, ideales políticos…), pero que se ven ligadas por diferentes motivos a lo largo de la historia. También el lector pronto conoce a los demás protagonistas, quienes, oriundos de diferentes partes del mundo, por una u otra razón se encuentran o desencuentran dentro de estos turbulentos años de guerra, amor, traición, revolución y mucho más.
Así, con continuos saltos en el punto de vista para centrarse en diferentes personajes, nos sumergimos alternativamente en la dura vida de una familia de mineros de Gales, los sacrificios que llevan para salir adelante y sus profundas convicciones; en el lujo, el despilfarro y las comodidades de la aristocracia; en las tradiciones de la época, en la germinación y explosión de la Revolución Rusa, en manejos políticos, injusticias sociales, luchas por los derechos humanos, abuso de poder, espías, y sangrientos enfrentamientos bélicos.
En esta larga novela histórica, en la que, por supuesto, inserta a personajes históricos, Ken Follet nos ofrece un esmerado retrato de una época y de las pasiones que estimularon la vida de sus personajes.
Retrato en sangre, John Katzenbach
La sobrina de la detective Mercedes Barren es brutalmente asesinada. Esta, sin encontrar la paz y mucho menos el consuelo, se embarca en una intrincada persecución del asesino, valiéndose de su instinto, coraje e inteligencia. Persecución que no acabará hasta el final… Hasta que uno de los dos termine muerto.
Saltando de un personaje a otro, entre recuerdos, dolor y odio, el lector va conociendo a cada uno de los personajes principales, armando poco a poco el rompecabezas, aunque siempre sorprendido al final.
Atrapante policial dramático del ya conocido John Katzenbach, autor de El psicanalista, quien en su gran repertorio de libros demostró que sabe cómo entretejer historias que sumergen al lector en la marea de letras que componen sus libros.
Saga Cormoran Strike, Robert Galbraith
Con un estilo atrapante, J. K. Rowling, bajo el seudónimo de Robert Galbraith, vuelve a cautivar a sus lectores con una nueva saga, aunque en este caso de otro género. Lejos de las varitas mágicas, los hechizos y seres maravillosos, esta escritora británica sumerge a sus lectores en el realismo, concretamente, en la novela policial.
Así, siguiendo las típicas características del género, en El canto del cuco transporta a sus lectores a la ciudad de Londres, donde una famosa modelo supuestamente se suicida… O por lo menos todos llegan a esa conclusión menos su hermano, quien contrata los servicios de Cormoran Strike, joven veterano de guerra que se gana la vida como detective privado.
Paralelamente, las vueltas de la vida colocan junto a Strike a una bella secretaria temporal, quien vendrá a cambiar algunas de las reglas del juego que él está acostumbrado a llevar a cabo.
Misterio, humor, celos y camaradería se aúnan al talento de Rowling para mantener al lector conjeturando posibles desenlaces hasta el final.
El canto del cuco es el primer volumen de la saga de misterio, compuesta hasta ahora por 4 obras, que tienen como protagonistas a Cormoran Strike y Robin Ellacott: The Cuckoo’s Calling (2013), The Silkworm (2014), Career of Evil (2015) y Lethal White (2018), esta última recientemente publicada.
En El gusano de seda, la historia gira alrededor de la desaparición del novelista Owen Quine, cuyo brutal asesinato poco después lleva al sagaz detective y a su ayudante a descubrir la existencia de un manuscrito en el que revelaba los secretos más comprometedores de prácticamente todos sus conocidos.
Segunda entrega de la ya famosa saga protagonizada por Cormoran Strike y Robin Ellacott, que, caso a caso, se las ingenia para atrapar a sus lectores.
El oficio del mal es el tercer volumen de la serie publicada por la escritora. La historia comienza con el arribo a la oficina de Strike de un paquete misterioso que contiene una pierna de mujer. El detective sabe que existen cuatro personas de su pasado capaces de realizar algo semejante.
Decididos a descubrir al culpable y detener la cadena de hechos aterradores que se suceden, Cormoran y Robin se sumergen en el siniestro mundo de los sospechosos.
Con una trama de suspenso ingeniosamente construida y repleta de giros inesperados, El oficio del mal presenta una historia apasionante sobre un hombre y una mujer en una encrucijada tanto personal como profesional.
Finalmente, en el hasta el momento último libro de la saga, Blanco letal , la pareja de investigadores (ahora compañeros) se ven envueltos en una maraña de secretos, mentiras, chantajes y falsas apariencias con una familia de la alta sociedad inglesa a la cabeza.
A esto los lleva el pedido de un joven con problemas mentales para que Strike investigue el crimen de un niño, supuestamente ocurrido varios años antes. Con su relación cada vez más tensa y combatiendo con sus problemas personales, los protagonistas atraviesan recónditas salas del Parlamento y una mansión señorial perdida en el campo para intentar llegar al fondo de la historia.
Lleno de intriga, Blanco letal ofrece una nueva aventura de Cormoran Strike y Robin Ellacott, llena de misterios y recovecos que dilucidar.
La chica del tren, Paula Kawkins
La chica del tren, novela publicada en 2015 y la primera de la autora, fue un éxito de ventas en todo el mundo y traducida a más de 40 idiomas.
En ella, una muchacha —quien, pronto nos enteramos, tiene problemas con el alcohol— viaja todos los días en tren de Ashbury a Londres para ir a trabajar. Durante el recorrido, le gusta observar por la ventanilla todo lo que sucede afuera, en especial, en las casas de una calle en particular, una calle que tiene un gran valor sentimental para ella y que le produce mucho dolor. En una de estas viviendas, casi todas las mañanas observa a una joven pareja en la terraza que da hacia las vías del tren. A ella le agrada esa pareja e imagina cómo serían sus vidas…
Un día ve algo extraño y diferente que le llama mucho la atención. Los sucesos subsiguientes y una sospechosa desaparición, sumado a sus propios problemas personales, revolucionarán su vida y la cambiarán para siempre.
Con saltos temporales y de puntos de vista —para centrarse alternativamente en diferentes personajes de la historia (únicamente los femeninos)—, la obra lleva al lector a ir hilando los sucesos que componen esta historia y, poco a poco, descubrir las relaciones entre los personajes, su pasado, sus debilidades y más.
Thriller atrapante, esta novela compenetra a sus lectores en la trama, especialmente a partir de la particularidad de estar narrado en primera persona. La consecuencia inmediata de ello es que siempre hay una zona oscura, información limitada, lo que conduce al lector a hacer continuamente conjeturas sobre quién es el responsable de la desaparición.
En relación con esto, la construcción de los personajes también es interesante, puesto que únicamente podemos acceder alternativamente a la mente de las mujeres de la historia, y solo a través de su mirada (completamente subjetiva, claro está) vamos armándonos una idea de los personajes masculinos, de quienes siempre nos faltan datos. Todo esto se fusiona y provee el gran suspenso que emana la obra, casi obligándonos a los lectores a seguir leyendo, mientras sospechamos de uno y luego de otro (como suele ocurrir en los policiales) a partir de las enunciaciones de cada mujer.
Personalmente, me quedó revoloteando la duda de si la policía finalmente descubrió (a pesar de que los lectores sí lo sabemos) quién fue el responsable de la desaparición.
La importancia de llamarse Ernesto, Oscar Wilde
Se trata de una obra dramática, específicamente una comedia de enredo, estrenada en 1895 en Londres y que muy elocuentemente lleva el subtítulo de “Comedia trivial para gente sería”.
Los protagonistas son dos pícaros muchachos que se inventan una doble vida para, entre otras cosas, evitar los aburridos compromisos sociales y, a su vez, aparentar ser personas honestas y formales ante los demás.
A lo largo de los tres actos que componen esta cómica obra, con ironía e ingenio, Wilde lleva a cabo una fuerte crítica a la sociedad de su época, evidenciando sus rígidas costumbres y falsas apariencias. Esto queda plasmado desde el título (The importance of being earnest), en donde el autor empieza con sus solapados, aunque evidentes juegos de palabras, puesto que Earnest (‘serio’ o ‘formal’) en inglés suena igual a Ernest (Ernesto).
En esa sociedad de finales de la era victoriana, basada en convencionalismos y con códigos de moralidad muy estrictos, los conocidos como “gentlemen” eran hombres que la gente admiraba debido a su clase y aparente perfección. Inmersos en este contexto, todos los personajes tienen su función e importancia para expresar el mensaje que el dramaturgo quiere dar.
Enredos, sarcasmo, mentiras, intereses, prejuicios, pero también amor y comicidad es lo que el lector encontrará entre las páginas este clásico de Oscar Wilde.
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La mujer rota, Simone de Beauvoir
“La mujer rota es la víctima estupefacta de la vida que ella misma eligió: una dependencia conyugal que la deja despojada de todo y de su ser mismo cuando el amor le es rehusado.
Sería en vano buscar moralejas en estos relatos; proponer lecciones, no; mi intención ha sido totalmente diferente. No se vive más que una sola vida, pero, por la simpatía, a veces es posible salirse de la propia piel. Me siento solidaria de las mujeres que han asumido su vida y que luchan por lograr sus objetivos; pero eso no me impide, al contrario, interesarme por aquellas que, de un modo u otro, han fracasado y, en general, por esa parte de fracaso que hay en toda existencia”, dice Simone de Beauvoir en la contratapa de su libro.
Este libro está compuesto por tres relatos, todos narrados por voces femeninas y dos de ellos recogen momentos claves de una existencia: la llegada de la vejez y una ruptura sentimental. En ellos se observa un profundo conocimiento de la psicología humana por parte de la autora, que provoca la empatía del lector al reconocer las situaciones y sentimientos expresados por esas mujeres.
“La edad de la discreción” relata el ingreso a la vejez de un matrimonio y la desilusión de los padres al ver que su único hijo no sigue los pasos que deseaban para él. En este relato es interesante ver este enfrentamiento entre generaciones, que viven en mundos distintos, y cómo sobrelleva la protagonista el camino del envejecimiento, en comparación con su marido. Un relato que enseña a envejecer dentro de una sociedad que rinde culto a la juventud.
“Monólogo” es la segunda historia del libro. Una mujer anegada por el dolor y la soledad, demuestra una fuerza sobrecogedora al mantenerse en pie a pesar de todo. En este texto, el lector es arrastrado a través del raudo brote de sus pensamientos casi sin pausa por la vida de una mujer sin esperanzas y llena de rencor.
Por último, “La mujer rota”, plasmado a modo de diario íntimo, trata sobre una ruptura sentimental, desde el momento en que la protagonista conoce la infidelidad de su esposo. Aquí el lector observa a una mujer que solo puede reconocerse a través de la mirada de los demás. Rabia, humillación, celos, amor y nostalgia son los sentimientos que golpean una y otra vez a la protagonista.
Protagonizados por mujeres pertenecientes a la burguesía intelectual y militante francesa de mediados del siglo XX, hoy son tan actuales como entonces.
Persuasión, Jane Austen
Publicada póstumamente en 1818, esta obra de la gran escritora inglesa narra la historia de Ana, una joven perteneciente a una familia acomodada, quien se ve persuadida por una amiga de la familia a rechazar al hombre que ama por su rango social inferior y el incierto futuro que le ofrece. Ocho años después, las vueltas de la vida los lleva a encontrarse otra vez, compartiendo un grupo de amigos.
La familia de Ana, a pesar de gozar de un estatus social importante, se ve obligada a mudarse para intentar abaratar los costos que su vanidoso estilo de vida requiere. Muy alejada en cuanto al carácter de su familia, compuesta por su padre y dos hermanas mujeres (su madre murió siendo ella una adolescente), Ana es una mujer que está por salir de los 20, desvalorizada por su familia -en particular por la belleza y juventud que supuestamente perdió-, madura, generosa y sensible, quien nunca se casó por seguir enamorada de su primer amor, Frederick Wentworth.
Relatada desde el punto de vista de la protagonista, la novela refleja a la perfección las características de la sociedad inglesa del siglo XIX, con sus prejuicios, intereses, vanidades y discriminación. Así, a través de cada uno de sus personajes, que poseen características muy particulares (lo que los transforma en personajes tipos), Austen demuestra su profunda observación, reflexión y crítica del mundo en la que le tocó vivir. Una sociedad basada más en las apariencias, el dinero y estatus social, que en el amor y la esencia humana de las personas. Sin embargo, se puede decir que la escritora, con su alta percepción de su entorno, también reflejó cómo estaba cambiando el mundo. En la obra se ve todo un universo de personas que no nacieron en cuna de oro, pero que alcanzaron una situación ventajosa, gracias a su trabajo y carrera exitosa. Por ejemplo, el Capitán Frederick Wentworth y el Almirante Croft, quienes se hicieron ricos e, incluso, su situación es mucho más ventajosa que la de los Elliot, con sus aires de grandeza.
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La abadía de Northanger, Jane Austen
La vida de la joven Catherine Morland (miembro de la numerosa familia de un modesto clérigo rural) transcurre tranquilamente en la campiña inglesa, donde se entrega con pasión a su distracción favorita: leer novelas de género gótico, llenas de pasadizos ocultos, mazmorras y misterios. Una invitación en la vida real, sin embargo, la lleva a la ciudad de Bath, donde ella y su hermano James establecerán relaciones con los Thorpe, ambiciosos y manipuladores, y los Tinley, vástagos de una distinguida familia cuya hacienda, que ostenta el pintoresco nombre de «abadía de Northanger», despierta en Catherine las más escalofriantes y deliciosas expectativas.
Escrita antes de 1803 pero no publicada hasta 1818, esta novela se centra en menor medida en el idilio romántico de la protagonista para hacerlo en la parodia de las novelas góticas, tan de moda en el siglo XVIII. De ahí que parte de la historia se ambiente en una antigua y oscura abadía, la que da nombre a la obra, mezclando con humor la realidad y la fantasía en la mente de la joven.
Lejos de la tranquilidad de su hogar, la ingenua Catherine conocerá la amistad, las mariposas del primer amor y la diversión de los bailes, pero también la dura decepción que provoca la falsedad, la mentira y la ambición.
Embebida en la fina ironía de Jane Austen, La abadía de Northanger mezcla amores, conveniencias y apariencias, insertando al lector dentro de la sociedad inglesa de esa época y llevándolo a reflexionar sobre los prejuicios e intereses de sus integrantes.
Esperando a Godot, Samuel Beckett
Esta tragicomedia en dos actos, publicada en 1952, transcurre en un camino en el campo, yermo y desolado, con solo un árbol en un costado, en la que dos hombres precariamente vestidos esperan a un tal Godot. Intentan tomar alguna decisión, pero son incapaces de moverse del sitio. Sólo esperan.
A pesar de no poseer un conflicto específico (a excepción de esta infructuosa espera) y de su aparente sin sentido, la obra expresa mucho a través del diálogo de sus personajes y el amplio simbolismo, que abarca toda la puesta en escena.
Esperando a Godot pertenece al Teatro del Absurdo —caracterizado por la incoherencia, el disparate y lo ilógico— y esto se ve muy claro en los personajes, quienes divierten con sus diálogos, peleas y situaciones cómicas, aunque es claro la desesperanza y angustia que los inunda. De esta manera, Beckett —discípulo y secretario de Joyce y premio Nobel en 1969– lleva a cabo una acérrima crítica a la sociedad de su tiempo, de la que la gran mayoría de los intelectuales estaban desencantados.
Se trata de una de esas obras clave en la Historia de la Literatura, una obra que, según los académicos suecos, “adquiere su grandeza a partir de la indigencia moral del hombre moderno”.
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El forastero misterioso, Mark Twain
Theodor Fischer, un niño que vive en una aldea austriaca en los últimos años del siglo XVI, se encuentra con un misterioso forastero que dice ser un ángel llamado Satanás. Solo Theodor y sus amigos tienen conocimiento de la verdadera naturaleza de ese ángel; el resto de los ciudadanos le tienen por Philip Traum, un simple forastero. Ese poderoso personaje interviene «milagrosamente» en las vidas de los habitantes de la aldea. Pese a que sus injerencias en principio parecen buenas, los niños no dejan de observar que a veces tienen, aparentemente, nefastas consecuencias.
Se trata de la última novela del escritor estadounidense, autor de Las aventuras de Tom Sawyer, entre otras obras, de la que escribió varias versiones sin terminar ninguna a causa de su muerte. En ella, Twain plasma su visión (ya pesimista) de la sociedad y el hombre, dejando en evidencia las miserias humanas y una cruda realidad: la hipocresía, la debilidad de la multitud ante la prédica de los cazadores de brujas, la explotación del hombre por el hombre y su insuperable aptitud para optar por el mal.
Theodor Fischer, a partir de sus charlas y las acciones de Satanás, comienza a replantearse las enseñanzas y valores que recibió desde pequeño, con lo que empieza a descubrir la verdadera cara del mundo en el que vive, pero también de este forastero misterioso en apariencia inocente y bondadoso.
Por su parte, los vecinos de la aldea sirven para mostrar cómo es la especie humana: seres fácilmente manejables, “esclavos” de la opinión pública y de los prejuicios que les inculcaron desde la infancia. Algunas figuras son más positivas: Marget y su tío Peter, que defiende la bondad de Dios y su misericordia, y que es injustamente acusado; o Úrsula, su criada, que se sacrifica por ellos. Estos personajes permiten albergar algo de esperanza frente a la negatividad de la visión del ángel.
El objetivo de El forastero misterioso es hacer reflexionar al lector sobre la finalidad de la vida, las relaciones interpersonales, la religión y la ética, lo que la hace una obra completamente actual, puesto que hoy idénticas preguntas nos acechan. Gracias a que Twain viajó por América y Europa, siendo minero, tipógrafo, periodista y empresario, se puede decir que conocía bien a los hombres y sus miserias, y con sus sátiras las desveló.
A pesar de presentar un panorama muy oscuro, también se rastrean en estas páginas bocanadas de aire fresco: la mirada irreverente de los niños, la posibilidad de alterar nuestro destino, la necesidad de devolver su verdadero significado al “sentido moral” y, sobre todo, el poder catártico y transformador de la risa.
Relato de un náufrago, Gabriel García Márquez
Relato de un náufrago que estuvo diez días a la deriva en una balsa sin comer ni beber, que fue proclamado héroe de la patria, besado por las reinas de la belleza y hecho rico por la publicidad, y luego aborrecido por el gobierno y olvidado para siempre.
La obra es una crónica novelada, escrita por un joven García Márquez, en ese momento periodista de El Espectador, a donde el protagonista, Luis Alejandro Velasco, fue a contar la verdad de los hechos sucedidos en el A.R.C Caldas.
Publicada durante catorce días consecutivos en el periódico en 1955 (plena dictadura en Colombia) y en 1970 en forma de libro, la historia cuenta cómo uno de los marinos del buque de guerra sobrevive sin agua ni comida por 10 días en el mar Caribe hasta que finalmente logra arribar a la costa colombiana.
Narrada en primera persona, como si hubiera escrito el libro el propio Velasco, detalla la desesperación y angustia vividas por el joven marino luego de su naufragio.
El objetivo del libro es dar por tierra la versión oficial del naufragio ocurrido el 28 de febrero de 1955.
Escrita en el típico estilo de Gabriel García Márquez, simple pero con extrema literariedad, la obra tuvo un rotundo éxito, a pesar de costarle la gloria y la carrera al náufrago y la condena al exilio al escritor.
Crónica de una muerte anunciada, Gabriel García Márquez
Es la séptima novela de Gabriel García Márquez. Se publicó en 1981 y su éxito ha sido y sigue siendo muy notable. Constituye su obra más “realista”, pues se basa en un hecho histórico ocurrido en su tierra natal (Colombia). A este respecto dijo Márquez en una entrevista: “No hay ni una sola línea en ninguno de mis libros que no tenga su origen en un hecho real” y en este libro es indudable.
Gabriel García Márquez vivía en una pequeña aldea de Aracataca, situada casi al pie de la Sierra de Santa Marta, en los Andes de Colombia, sobre la costa del mar Caribe, lugar que toma de referencia para la redacción de esta obra.
En Márquez la mezcla entre mito y realidad ofrece libros sorprendentes. El mito sirve como punto de partida a de la realidad, porque alguna vez ha tenido que existir ese mito, de manera absolutamente natural. La misma realidad siempre está potenciada por el conjunto de unas líneas tan cargadas de una atracción que atan al lector desde el principio.
Comienza la novela por el final: diciendo que Santiago Nasar ya esta muerto, y que lo mataron los hermanos Vicario para vengar el honor deshonrado de su hermana Ángela. El relato termina precisamente en el momento en el que Santiago Nasar muere.
Con saltos temporales, jugando con el límite entre la realidad y la ficción, García Márquez aborda muchos temas, como la fatalidad, el honor, el poder, la vida en los pueblos pequeños, la posición de las mujeres en la sociedad, los prejuicios y más. Todo esto incorporando en estas pocas páginas características de diferentes géneros: la crónica, la tragedia, la novela romántica, el policial.
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Fin de fiesta, Beatriz Guido
Cuatro adolescentes huérfanos crecen bajo la tutela de su abuelo, un poderoso caudillo conservador de Avellaneda. Entre diferencias sociales, violencia (tanto dentro como fuera de la familia), deseo y amor, transcurre la historia de esta novela, donde los eventos políticos y los sucesos familiares se van entrecruzando.
Publicada en 1958, Fin de Fiesta está situada históricamente en el período argentino antes del advenimiento del peronismo, en la llamada década infame, y refleja una sociedad corrupta, de falsas apariencias, intereses y poder.
Con el Riachuelo utilizado como símbolo, la historia retoma hechos reales, como el atentado contra Lisandro de la Torre –quien denunciara el negocio de la carne–, el asesinato del senador Bordabehere, el golpe de 1943 y las costumbres del gobierno conservador: el “fraude patriótico”, la corrupción policial, la tortura y persecución de los opositores, los prostíbulos y garitos como fuentes de financiamiento.
Con saltos en diferentes capítulos de un narrador en primera persona, el joven Adolfo, a otro en tercera persona (pero siempre desde el punto de vista de ese personaje), el libro también gira alrededor de la conflictiva relación de Adolfo y Mariana, de los celos y odios entre los personajes, y del crecimiento y desencanto de la vida de un grupo de jóvenes argentinos.
Hacia el final, se habla sobre la caída de los conservadores, aunque denunciando los puntos de encuentro entre ese régimen y el nuevo modelo político.
Sobre la autora
Beatriz Guido nació en 1922. Hija de una actriz uruguaya y de un conocido arquitecto, creció rodeada de personajes famosos que visitaban su casa: Ricardo Rojas, Ortega y Gasset, Gabriela Mistral y Leopoldo Lugones, entre otros. Estudió filosofía en Roma, donde tomó clases con Benedetto Croce. Parte de su proyecto literario fue realizado junto a su pareja, el cineasta Leopoldo Torres Nilsson, con quien formó un sólido equipo creativo. Intensamente criticada por Arturo Jauretche y David Viñas, fue especialmente combatida por su abierto antiperonismo.
Emboscada, Adrián y Miguel Aragón
Maximilan Cornell es un ex integrante de los ejércitos de Estados Unidos y británico, quien, luego de desilusionarse de los intereses de ambos gobiernos, se convierte en un mercenario estrictamente entrenado y calificado para el espionaje y la pelea. En Emboscada, un día se ve envuelto en una sospechosa misión que lo llevará lejos de su país en busca de la hija de su ya fallecido mentor, desaparecida en Hong Kong. De esta manera, Max junto a sus expertos amigos, se ve envuelto en una red de misterios, secuestros y violencia.
En esta novela negra, los gemelos españoles Adrián y Miguel Aragón cumplen con las típicas características del género, ofreciendo a sus lectores intriga, delitos, ambientes marginales y un protagonista con demonios propios que lo acechan.
Septiembre, Rosamunde Pilcher
Con motivo de una fiesta de cumpleaños, una serie de personajes procedentes de Londres, Nueva York, Escocia y España coinciden en el pequeño pueblo de Strachroy. Estamos en septiembre.
Durante este mes, en Escocia se prodigan celebraciones, cacerías y bailes. Sin embargo, al compás de ese ambiente festivo, el destino arrastrará a los protagonistas a situaciones tan dramáticas como sorprendentes y les obligará a tomar decisiones y a afrontar situaciones que marcarán profundamente sus vidas…
Con su habitual destreza narrativa, Rosamunde Pilcher nos transporta a un mundo poblado de emociones, sentimientos y pulsiones anímicas que acaban conformando un acabado perfil de las constantes eternas de la condición humana. Segunda novela de la célebre autora, Septiembre satisface las mejores expectativas del lector.
Hermoso libro y muy recomendable, especialmente para los amantes de la literatura romántica.
Los hermanos Karamazov (1880), Crimen y Castigo (1866) y Pobres gentes (1846), Fiódor Dostoyevski
Los hermanos Karamazov es la última novela de Fiódor Mijáilovich Dostoyevski, publicada en 1880 y ambientada en un pueblo ruso en el siglo XIX. La obra, consideraba como la mejor del autor, narra a través de un narrador en tercera persona (que quiere ser testigo pero que sabe más) el drama de la familia Karamazov. Esta está compuesta por Fiódor Pávlovich, el padre de 55 años; Dmitri Fiódorovich, el hijo mayor; Iván Fiódorovich, el hijo del medio; y Alekséi Fiódorovich, el hijo menor y héroe de la historia. En la obra también se rumorea que Pável Fiódorovich Smerdiakov, sirviente de la familia, es hijo ilegítimo del padre.
Dentro de un contexto histórico especial en Rusia, en camino hacia la modernización, estos personajes poseen complejas y disfuncionales relaciones entre sí. Pronto el lector se entera de que el padre y su hijo mayor se pelean por el amor de una mujer (Agrafena Aleksándrovna Svetlova) y por la herencia materna que debería haber recibido este último y su padre no le dio. Alrededor de este conflicto, giran otros que dan a conocer en mayor profundidad a los demás personajes y sacan a la luz muchas características de la condición humana que preocupaban al autor.
Así, Dostoyevski —uno de los principales escritores de la Rusia zarista, cuya literatura explora la psicología humana, recurriendo al realismo psicológico, la filosofía y la ética— en Los hermanos Karamazov nos presenta unos personajes que definen perfectamente cada estereotipo de la época: nihilistas descreídos, virtuosos caritativos, hedonistas egoístas, violentos justicieros, etc. Todo perfectamente hilvanado en torno a un apellido, los Karamazov; y un concepto, el odio/desagrado con quien ejerce de cabeza de familia, Fiodor.
Dostoyevski plasmó en sus obras sus preocupaciones con respecto al futuro de la humanidad y las injusticias sociales de su época. La mayoría de ellas se centra en la condición humana y trata temas como la pobreza, la injusticia social y más.
Los hermanos Karamazov y Crimen y Castigo, entre otros, poseen temáticas con un gran carácter existencialista: enfatizan el libre albedrío del hombre como esencia, particularmente expresado por el renacimiento espiritual a través del sufrimiento, la idea del suicidio, el orgullo herido, la destrucción de los valores familiares y el falaz determinismo que el racionalismo occidental impone al hombre, subyugando su voluntad a las «leyes de la naturaleza». Esto llevó a afirmar que este autor es el precursor del existencialismo y de la novela existencialista. Entre las páginas de muchas de sus obras encontramos el conflicto moral que surge entre la fe, la razón y el libre albedrío, así como la duda, el buen juicio y Dios.
En Crimen y castigo, el personaje principal es un joven inteligente que, sin embargo, vaga sin rumbo fijo, desinteresado de todo. A causa de la pobreza, debe dejar sus estudios y pronto se ve acechado por una idea: asesinar a una anciana usurera para robarle y, especialmente, por considerarla vil e inútil. A su vez, se convence de que la sociedad está dividida en dos tipos de seres humanos: los superiores, que tienen derecho a cometer crímenes por el bienestar general, y los inferiores, que deben estar sometidos a las leyes, cuya única función es la reproducción de la raza humana. Al igual que en Los hermanos Karamazov, aquí también se realiza una profunda reflexión sobre el ser humano y la sociedad.
Por otra parte, en la novela epistolar Pobres gentes se ve de forma aún más cruda la miseria que padece el pueblo ruso en esa época y la injusticia social. Así, entre las cartas que se envían Makar Alekséievich Dévushkin y Varvara Alekséievna Dobrosiólova intercambian opiniones sobre la sociedad, el trabajo, sus problemas personales y la extrema pobreza en la que viven ambos, que es el hilo conductor de toda la novela.
De esta manera, vemos que estas novelas de Dostoyevski se caracterizan por una perspectiva social, política y moderna de la sociedad, que «destapan el cinismo y el desprecio al progresismo en la sociedad».
Androides y tentáculos, Octavi Franch
Androides y tentáculos es una antología de cuentos publicada por Ariane —editorial independiente de ciencia ficción— y escrita por el catalán Octavi Franch, quien, además de dedicarse a la literatura, es guionista audiovisual y músico.
Como alude su título y la editorial, esta brevísima obra sigue las características del género de ciencia ficción y presenta diferentes mundos futuros en los que viven humanos al borde de la extinción, androides deseosos de acabar con la humanidad y extraterrestres con vidas y costumbres completamente diferentes a las que estamos acostumbrados los hombres en la Tierra.
De esta manera, en los tres cuentos que componen esta antología, el lector es testigo de viajes interestelares, progresos de la ciencia, porvenires poco prometedores, escenarios exóticos y situaciones extravagantes.
Con el deseo de supervivencia como hilo conductor de los relatos, Androides y tentáculos presenta una visión negativa de los años venideros y el avance de las tecnologías, que se vuelven en contra de sus creadores, es decir, los hombres. Esto recuerda a otras historias leídas, aunque con algún giro diferente.
Lo negativo: ciertos intentos de utilización del estilo indirecto libre sin éxito y algunos diálogos un tanto artificiales o acartonados que deslucen un poco la obra y alejan al lector de la historia narrada.
Algunos han considerado la ciencia ficción como literatura de anticipación —posiblemente, gracias a Julio Verne—, pero luego de leer estos cuentos, esperemos que no lo sea.
Te recomendamos la entrevista que realizamos en Frontal Revista: “Octavi Franch, artista multidisciplinar”.
Transformar la realidad (Lo que debes saber si quieres), Darío Daniel Dapozo
Transformar la realidad (Lo que debes saber si quieres), de Darío Daniel Dapozo, nace de una serie de notas que el autor fue plasmando en papel mientras esperaba llevar a cabo la conferencia “Quebrar la realidad, no busques más excusas” —que no se realizó en ese momento pero que ya está disponible en el canal de YouTube Mindalia Televisión—, donde se puede acceder a un resumen de lo expuesto en este libro.
Difícil de encasillar en uno de los géneros tradicionales, Transformar la realidad… no es una obra literaria (a pesar de incluir poemas de Dapozo) ni tampoco un texto de autoayuda propiamente dicho, aunque sí ofrece herramientas para lograr cambios en la vida de cada uno.
Proponiendo un lector activo, Dapozo invita a la introspección y, a su vez, a una reflexión de la realidad colectiva, es decir, de la sociedad en la que estamos inmersos irremediablemente, con la finalidad de lograr una transformación. Para ello, al comienzo del texto, apela a conceptos teóricos que servirán como base para entender el mensaje global del libro. No hay que dejarse asustar por estos conceptos filosóficos, puesto que están bien explicados y los ejemplos que los acompañan son ilustrativos y ayudan a la comprensión.
En medio de su disertación sobre la existencia, la conciencia social y el crecimiento personal y colectivo, el autor va intercalando tras cada apartado profundos y sentidos poemas, para finalizar con un poemario de amor igual de íntimo.
Se trata de un interesante libro, con ideas acabadas sobre lo que expone y muy expresivo, que deja al descubierto la ideología y aspectos personales de su autor. De esta manera, con un lenguaje claro y desde un plural de autoría, Dapozo propone “Dejar de ser para ser” y llama a la acción.
Sobre Darío Daniel Dapozo
Es escritor, poeta, músico, compositor y pintor «de a ratos», como él mismo se define.
Como escritor, ha escrito más de 400 poemas y textos literarios, además de un centenar de escritos políticos, filosóficos e ideológicos.
A su vez, es cantante popular (de reciente inicio en el estudio del canto lírico), pianista y compositor de más de 150 obras para piano y otros instrumentos.
Recuerdos, ausencia, dolor y humor en Hasta el mismo día en que te perdí
La obra escrita y dirigida por Diego Brienza se presentó en el Portón de Sánchez con rotundo éxito.
En ocasiones la vida hiende sin piedad, forzando a las personas a atravesar situaciones tan difíciles y lacerantes que no se sabe de qué manera procesar. En momentos así, ¿cómo superar el dolor y “seguir pa’lante”? Todos tienen sus estrategias para poder continuar caminando a pesar de la tristeza. Los protagonistas de esta pieza teatral, Alba y su marido (el Hombre), utilizan los recuerdos a su manera: los de ella solo están compuestos por los momentos felices de años pasados; en cambio, él modifica sus recuerdos para su conveniencia. Maniobras todas para disfrazar el dolor con el objetivo de borrarlo y que, quizá, ya no duela tanto.
La obra comienza con el relato de un narrador, quien -incorporado en el escenario casi como un personaje más- se encarga de presentar a los demás y va añadiendo detalles y completando la historia.
Así, valiéndose del vestuario para identificar el cambio de personajes y el juego de luces para diferenciar los recuerdos del ahora, “Hasta el mismo día en que te perdí” presenta un relato fuerte aunque intercalado con el humor y la felicidad de otros tiempos. Un laberinto mnemotécnico compuesto de cantos y coreografías de raigambre española que iluminan sobre el mensaje que se quiere dar, además de contar de dónde vienen los protagonistas.
Por su parte, la música también cumple un papel importante, ya que con las letras de sus canciones ayuda al espectador a descubrir la metáfora, lo que no se dice pero que está ahí, arraigado muy adentro. A pesar de que los protagonistas quieran simular que no pasó o lo nombren de otra manera con la intención de cambiar la realidad, “eso” está agarrado a sus almas con uñas y dientes, sin darles tregua ni posibilidad de alegría.
Alba, en el presente, afirma no tener una pierna, metáfora de lo que realmente se perdió pero que aún no puede aceptar y mucho menos nombrar. Su marido, quien sugestivamente no tiene nombre propio, tampoco puede procesar su angustia y lo maneja inventando objetos que tengan movimiento o “vida” para no pensar y enfrentarse a la realidad. Sin embargo, ninguno puede escaparse de sus sueños, en donde se cuela la cruda verdad.
Excelente texto de Diego Brienza sumado a impecables actuaciones conforman una obra que toca al espectador por su cercanía con sus propias experiencias y que logra, a pesar de todo, arrancar algunas risas y no dejar un sabor amargo.
Ficha técnica:
Dramaturgia: Diego Brienza
Actúan: Daniel Aizicovich, Enrique Dumont, Janina Levin, Claudia Mac Auliffe, Inge Martin, Esteban Rozenszain, Cristian Sabaz, Analía Sánchez, Diego Santos Bailarines: Lourdes Castagna, Candelaria González Castañon, Laura Tonelli
Escultura: Mónica Canzio
Diseño de vestuario: Cecilia Zuvialde
Diseño de escenografía: Cecilia Zuvialde
Diseño de luces: Francisco Varela
Músico En Escena: Esteban Rozenszain
Fotografía: Maria Horton
Diseño gráfico: Micuana
Producción ejecutiva: Janina Levin
Coreografía: Laura Tonelli
Director musical: Esteban Rozenszain
Dirección: Diego Brienza
Prensa: Sonia Novello
Publicada en Frontal Revista
Campo y ciudad: finalmente amor
Enamorarse es hablar corto y enredado, de Leandro Airaldo
Tras la eterna oposición entre campo y ciudad —tan trabajada en la literatura de nuestro país y enfundada en la dicotomía civilización y barbarie, que nos persigue desde tiempos decimonónicos—, aparece una obra que amiga estos dos conceptos o, para decirlo con más propiedad, los enamora.
Ana y Pedro se conocen un día en una plaza. Ella es una señorita de ciudad; él, un señor de campo. Ambos se sientan en el mismo banco, junto a un deshojado árbol, y, poco a poco, mate a mate, la magia se va haciendo presente y la soledad se va desvaneciendo.
Con una austera escenografía y sonidos que acompañan el significado de cada momento, esta tierna y divertida historia envuelve al público entre frases, giros, malentendidos y lo no dicho. Esto es expresado excepcionalmente por los únicos dos actores (Soledad Piacenza y Emiliano Díaz) mediante gestos, muecas y posturas, que dicen tanto o más que las palabras.
En una época en la que muchos banalizan el afecto y predomina la individualidad, “Enamorarse es hablar corto y enredado” demuestra cómo desde lo simple y la autenticidad se puede llegar al amor.
Ficha técnica
Dramaturgia: Leandro Airaldo
Actúan: Emiliano Díaz, Soledad Piacenza
Vestuario: Alicia Macchi
Escenografía: Miguel Nigro
Iluminación: Luciana Giacobbe
Realización de escenografía: Manuel Escudero
Música: Silvia Vives
Sonido: Silvia Vives
Diseño: Nadia Estebanez, Verónica López
Asistencia de dirección: Nadia Estebanez
Producción: Nadia Estebanez
Dirección: Leandro Airaldo
Publicado en Frontal Revista